声音艺术的拓展历程
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声音艺术的拓展历程
声音创作拓展的历程，从非传统音律探索，到不断产生的新乐音、声音作品理论的演变，一晃眼过了一世纪，即便起步较晚的台湾或亚洲新兴国家，也渐次各自走过近20年光阴。或许如同当代艺术与音乐理论仍绕着西方观点学步，形式与派对亦不尽然是创作者核心出发点，但若欲对持续于暧昧、与模糊未知的声音作品探究一二，搭配声音发展脉络，本篇试图提供一种可能的认识捷径。
噪音Noise
至今，所谓泛实验音乐各派别及声音艺术仍存在极大的未定之数，或泛指艺术与音乐之「二不管地带」版图。那么肇始于1910至1930年代受达达主义声音美学启蒙的超现实主义、以至于福鲁萨克斯（Fluxus）运动的艺术家们，发展出一套将声音或广义音乐的领域一分为二的新分水岭，具备音律结构的称之为「乐音」（musical tone),在音乐之外的声音则被归为噪音。未来主义艺术家卢梭罗（Luigi Russolo)在1913年的「噪音艺术宣言」（The Art of Noise）被视为是噪音艺术/音乐的第一步，虽此二分法仍存有不小争议：包含古典音乐的基本教义派并不认同噪音是音乐的一部分（他们至多认为所谓的乐音分野是起于1908年奥地利曲家荀白克（Arnold Schoenberg)所宣扬的「无调性音乐」（atonal music)是音与乐之界），或亦有基进声音艺术家不认同噪音属于机构定义过严谨的音乐范畴；此外，除了两者互斥的空集合看法，1917年的发现艺术（Found art)主张探索荒废而未开发的声音，也试图重新定义噪音和乐音之间的界限，而非积累已知的乐音型态为满足。此外，在受噪音艺术影响而承的后续各流派中，产生噪音与乐音两大派别的子乐派混种（fusion genre)如电子音乐、实验音乐、工业音乐、噪音摇滚、无浪潮（nowave,由龐克而衍生）等等，这些乐风大幅度地交杂而蔓生，亦形成现今更难辨识噪音与乐音分界的最主要原因。
机率音乐Aleatory Music
机率音乐为现代音乐当中，影响当代声音艺术与实验/前卫音乐最重要的子系统。无调性音乐始祖荀白克的高徒凱吉（John Cage）于1940年代花了10年时间进行一种命名为「预制改造钢琴」（prepared piano）的实验，最终将小型文具或金属片固定在琴弦上，成为影响日后「电子声响即兴」对于器乐改造的源头。然而，其受东方文化启发，于1951年发表的《变化的音乐》（Music of Changes）用易经64个卦象来决定演奏的方式，此作被视为是机率音乐的始祖。史托克豪森（Karlheinz Stockhausen）1956年发表的《钢琴曲之11》（Klavierstueck XI），亦为同期重要代表。而凱吉由机率音乐所发展的不确定性音乐（Indeterminacy Music），强调作品由不同的演奏方式，可将演奏方式取决于乐手，这样的思想亦成为现代音乐派撼动稍晚成形的自由即兴，并且他在黑山学校（Black Mountain School）的作曲课程，将偶然性概念促成偶发艺术（happening)，提供了晚近新媒体（new media）艺术对于声音、文学、视觉、剧场等迥异媒材结合的重要思路依据。凱吉对于原先诸多学院派仍固守传统「乐音/噪音」界线的打破亦形成极大的参照贡献。
声响学Acousmatique
具象音乐Musique Concrete
由法国人谢菲（Pierre Schaeffer）与亨利（Pierre Henry）在1950年代所发展的乐派，谢菲从1948年起在法国国家广播公司发展出声响学（Acousmatique），阐述一个绝对纯粹聆听的状态，主张所有可能的视觉效果均应避免涉入干扰听觉。声响学对于后世的另一重要概念，则是空间元素常被以作曲的方式来操作，而非一附属的音场效果考量。他与录音师亨利在1949年碰面后开始合作，两人将声响学导入另一个阶段，和声响学不同的是，它开始在电脑中来创作，是一种数位化的作业，形构了建立在声响学更具体的创作模式。具象音乐创作者会将采集收录到的环境声响进行剪辑、拼贴、堆叠、倒放（reverse)、延长（delay)等处理，但通常不会将素材调变至无法辨识音源的地步。从某种翻转的角度看，声响来源所提供的感官是具象音乐极重要之一环。虽然卢梭罗早在1913年便提出了日常生活之噪音的成见所形构的藩籬，然而真正使音乐创作中完全采用环境音与声响作为作曲要件，则是到具象音乐出现后才被实践。具象音乐并提供电子音乐成熟条件的各种创作要素，在电脑世代开启了众多音效发展的初兴,从1970年代逐步在新乐种冒出头的合成器流行乐（synth pop) 电子舞曲（electronic dance)、新世纪音乐（new age)和实验电子、录音艺术（recording arts)、声音地景（Soundscape),均有明显的�?斧传承的痕迹。
自由爵士Free Jazz
自由爵士为爵士乐发展史当中，较晚衍生而出的，在乐派及乐手作品中亦和部分前卫爵士（avant-grade jazz）有很大比例的叠合。自由爵士主要是针对爵士乐的几种主流如酷派（cool jazz)、咆勃（hard bop) 以和弦结构为即兴基础的一种颠覆和解构，一切以打破和其他乐手、合声部、及曲式、旋律和节奏互动的任何规则，某种程度上它开启了一个不只是爵士乐本身的革新，亦对当代活躍的音乐体系乃至于声音艺术都有广泛的交互影响。此外，当代的自由爵士乐手如佐恩（John Zorn)等人，由于自由爵士的启发，往往不限于在「爵士」的架构发展作品或演出，同时也涉足当代古典音乐（contemparary classic music)、实验摇滚（experimental rock)、融合（fusion)、噪音摇滚（noise rock)、环境音乐（ambient)、雷鬼音效转録（dub)、黯黑浪潮（darkwave)等领域发展。
自由即兴Free improvisation
自由即兴最基本的态度，便是内容中声音并非为特定精准的音符、亦非为有组织性的旋律为素材之纯粹即兴之声。自由即兴的创作者，往往也不讲究对任何乐风之偏好或口味，以作为作品呈现上的参考，此乐风主要受自由爵士与现代音乐的概率音乐两支先行乐派所汇集而发展的乐风，约莫于1960年代中末叶初具形体。著名的自由即与吉他贝利（Dere Bailey）曾提出「不具语?」咝缘募葱恕梗╪on-idiomatic improvisation)的概念，为此乐派下了一个相当精准的注解，面对许多质疑此乐派「飄忽、且反乐风的本身亦自成一乐风」的矛盾看法，贝利则四两拔千斤地回应：「分歧、多样就是它最恒常的一种特性、若真有一个指标，那就是我们越是想要〖接近〗它，就会离它更远。它不但不具任何型格，也不属于规则语?⌒缘纳簦杂杉葱四耸墙⒃诶质值嗍钡纳糁魈狻！�
电子声响即兴electroacoustic improvisation
此类风格之声主要宗旨是使用电子声响器乐为出发，而它最主要由电子声响音乐（electroacoustic)与自由即兴两种派别发展而生。电子声响即兴在声音的概念上多由自由即兴出发，电子声响则为此派最主要的器乐音源及取样来源，顾名思义，电子声响以电子音乐（electronica)和音响器乐（acoustic instrument)为两大元素的激盪，但此流派?K不?埞诰芗鄹窀甙旱牡缱蛹际踔夭幕蚱骼郑喟胍允褂迷ぶ聘脑旒╬repared guitar）或是基本的笔记型电脑之类的配备。出身英国第一代自由即兴乐队AMM的吉他手罗尔（Keith Rowe)，为此乐派的重要代表人物，他的手工改造吉他呈现出高度抽象风格，至今仍活躍在当代实验乐坛并和许多跨界乐手同台合作演出。
电脑音乐Computer Music
亦称计算机音乐，它所指陈的乐种是以电脑运算技术而编写声音作品的一种学院式研究领域，即使电脑已成为当代全球都市生活的必需品，它的理论建立仍属于西方艺术传统。全世界第一个由电脑运算出来的作品是在1951年举凡各式新与旧的声音在运算技术上的应用，如声音合成、数位讯号处理、声音扩散（diffusion)、声音设计、音响学、音响感知心理学（Psychoacoustics) 与声音装置（sound installation )等各式技术研究均在其中。然而值得理清的部分是，借由电脑软媒介面操作或呈现的作品，单就软体的应用性操作而非运算作业所产生，并不能和原先所指的电脑音乐混为一谈，由于此类名词工具化尤有疑虑，学院外的创作者对此类门较不具认同。
声音艺术 Sound Art
严格说来，声音艺术仅仅做为一种当代艺术对于以声音创作为主要素材之作品的概括名称，它并不指涉特定流派，亦无分门别类的作用。某种角度上来说，声音艺术是收纳不被音乐各种类的声响素材作品，以及对于部分在音乐新类别中已有定义，但反对形式论的创作者自我认同。就以台湾乃至日本外的亚洲国家近20年的发展史而言，从噪音到声响、再由声响到声音艺术，由于较缺乏够长远的时间积累或广泛创作乐风的横向激盪，主体论述多半尚未成型，多由西方一个世纪浓缩理论来消化吸收，在这游移状态下，是否像古典乐学院系统下的现代音乐或当代古典音乐，存在过多的理论系统交杂而仅为一过度名词，尤待观察。